Torino – C’è stato un momento, nella vita del quartetto più famoso del mondo, precisamente dopo l’uscita dell’album Sgt. Peppers, dove il richiamo per l’Oriente misterioso si è fatto irresistibile. Vuoi per il fascino intrinseco, vuoi per la filosofia di vita, vuoi per le innegabili esperienze lisergiche, I Beatles si fanno conquistare dalla magia della filosofia orientale. Incontrano nel 1967 a Londra lo yogi Maharishi Mahesh, fondatore della cosiddetta meditazione trascendentale. E qualcosa scatta, perchè l’anno dopo i Fab Four lo vanno a trovare in India, insieme a un nutrito gruppo di amici, per imparare i segreti della sua arte, si fanno crescere la barba e quando tornano scrivono i loro ultimi capolavori come gruppo.Esperienza fricchettona da fine era hippie o illuminazione spirituale? Probabilmente entrambe, fatto sta che ogni cosa fatta dai Beatles all’epoca creava un riscontro mediatico eccezionale, ma questa esperienza in particolare, senza esagerare, ha aperto le porte dell’Oriente misterioso alla cultura pop dei fine sisxties, dando alla fotografia, alla grafica, alla musica, alla letteratura dell’epoca nuovi esotici spunti.

Nothing is real, curata da Luca Beatrice, allestita al MAO di Torino fino al 2 ottobre, parte da questo momento storico di incontro tra Occidente e Oriente, raccogliendo in un ambiente multisensoriale centinaia di oggetti: dalle memorabilia-reliquie dei Beatles di quel periodo alle fotografie di Italo Bertolasi e di Pattie Boyd, fidanzata di George Harrison dell’epoca, prime edizioni di libri storici come il Siddharta di Hesse e  Lo zen e l’arte della manutenzione della motocicletta di Pirsig, alle opere di artisti italiani del secolo scorso del calibro di Alighiero Boetti, Aldo Mondino, Luigi Ontani, Francesco Clemente. Ancora: riviste dell’epoca come Paris Match, Telegraph, Life, fanzine, pubblicazioni di controcoltura e indipendenti, grafiche copertine di dischi rock… il tutto accompagnato da note avvolgenti profumate che accompagnano il visitatore nelle varie stanze.

Più che una mostra quindi, Nothing is real vuole essere un percorso visivo-acustico-olfattivo dove il fil rouge che lega il tutto è la fusione mistica tra Oriente e Occidente, un trip dove I Beatles sono visti come un tramite, per accedere a un flusso di immagini e profumi lontani che dialogano in simbiosi con riferimenti a noi vicini.

Come un marinaio imbarcato su un vascello dal vento in poppa, Palumbo scruta i paesaggi attorno a lui, restituendoci queste visioni mediate dalle sue molteplici sensazioni. Un vascello con un’anima tutta sua, capace come per magia di staccarsi dalla superficie dell’acqua, per volare sulle onde, per restituirci prospettive prima solo immaginate. Le sue tele sono un cannocchiale per scrutare oltre l’orizzonte del visibile: ci attendono così nuove dimensioni oltre quelle conosciute, dove le statue prendono vita, le barche e i pesci volano, le prospettive sono impossibili, gli edifici contengono universi, il greve diventa leggero e viceversa. Facciamoci raccontare qualcosa di più direttamente da lui:

– Un quadro è un capolinea: è un arrivo (per chi l’ha fatto) e una partenza (per chi lo guarda), diceva Salvo. Nei tuoi quadri questo è evidentissimo: ogni opera rimanda a un instante preso un viaggio immaginifico. A te piace viaggiare?

R: Molto. Anche se i più grandi viaggi li ho fatti in un metro quadro, quello davanti al mio cavalletto.

– Se potessi salpare su una nave domani mattina, dove andresti?

R: A cercar l’isola che non c’è. Mi piacerebbe partire e basta..

– Ogni fase del realizzare un’opera immagino crei sensazioni nell’artista diverse. Cosa ti piace di più? Iniziare o finire un quadro?

R: Credo di preferire la fase del concepimento, l’inizio, e tutto il percorso per arrivare. E’ pur vero che chiudere un quadro è giungere ad un traguardo, ma poi tutto ricomincia.

– Che cosa ti ha spinto a diventare un artista? E’ capitato o l’hai voluto?

R: L’ho sempre voluto, pur non sapendo bene cosa significasse. E poi ad un certo punto, comincio a fare il pittore. Essere Artisti è altra cosa ancora, c’è tanta strada da fare perché è uno stato dell’essere.

– In alcuni quadri si intravede una matrice simbolista. Quanto è importante per te il simbolo come riferimento?

R: Il simbolo è la sintesi massima dei significati delle cose e degli avvenimenti, in esso c’è il rimando ad altro, al mistero e si celano le vie da percorrere per giungere alla verità.

– La tela bianca è un soggetto ricorrente nelle tue opere. Puoi spiegarci qualcosa a riguardo?

R: Un atto da psicoanalisi. La tela rappresenta il mio lavoro, quello del pittore, è una mia presenza o in alcuni casi è la presenza della “pittura” come condizione umana.

–  Come immagini un museo, uno spazio espositivo, una galleria d’arte, tra 100 anni?

R: Esisteranno ancora? Nel frattempo consiglio di andar per mostre.

– Se potessi incontrare un grande artista del passato e prenderci un caffè insieme chi sceglieresti?

R: Mi toccherebbe pagare il caffè ad un centinaio di persone, ma forse per ringraziarli, ruberei del tempo a Savinio e Giorgio de Chirico.

– Hai una tua collezione privata d’arte?

R: Al momento no, ma ho piccoli ricordi di amici.

– C’è un’opera che hai realizzato negli anni a cui sei particolarmente legato?

R: Sono diverse, perché diverse sono le esperienze che le hanno concepite.

– Quali sono le prossime mostre che hai in programma?

R: Ci sono molti progetti. Al momento c’è la personale alla galleria Biffi di Piacenza curata da Alessandra Redaelli intitolata “Lo Spirito e la carne”, tutta dedicata al “cuore” come stato emozionale, come anelito allo spirito divino e il suo contraddittorio. Una mostra che è un esperimento ed una ricerca su soggetto e tecniche. Poi ci sarà un grande evento i primi di Ottobre alla Pinacoteca di Bari, la mostra raccoglierà il lavoro di questi ultimi tre anni con gli inediti sul ciclo del viaggio che è il tema su cui mi sono concentrato di più in quest’anno giubilare. Molto interessante sarà il catalogo che raccoglierà oltre all’approfondimento critico della Redaelli, una piccola raccolta di poesie inedite del poeta e scrittore Aldo Nove. Operazione in accordo con Art’è avendo in comune lo scopo di unire parole ed immagini, dipinti e letteratura, pittura e poeti.
La stagione mi vedrà in collettive in terra di Sicilia, a Roma e poi ancora…

Ogni appassionato d’arte si chiede prima o poi come viveva (o come vive) il proprio artista preferito.C’è chi in vita non ha fatto fortuna con tele e pennelli  e si è dovuto accontentare di dimore modeste; non è certo stato il caso di Andy Warhol. Una delle sue proprietà, nell’ex villaggio di pescatori di Montauk, Long Island, è stata venduta per la cifra record di 50 milioni di dollari. La residenza era una delle preferite da Warhol: come dargli torto? Vista incredibile sull’oceano,  350 mq di residenza principale, 5 cottage annessi, 9 camere da letto, 11 bagni, due enormi camini nel soggiorno.

 

Chi si è potuto permettere questo investimento? Un certo Adam Lindemann, collezionista d’arte e fondatore della galleria Venus Over Manhattan, New York. La proprietà è stata acquistata da Warhol nel 1971, e qui, fino alla sua morte avvenuta nel 1987, ha ospitato grandiosi party con artisti, star di Hollywood, roskstar.

Ma negli interni di questa bellissima dimora non si avverte quel senso di opulenza tipico della Upper Class newyorkese, i benestanti che da New York prendono dimora nei mesi estivi o nei fine settimana negli Hamptons. Tutt’altro: sono interni equilibrati, posati, in linea con il carattere mite che caratterizzava il maestro della Pop Art.

“Essere punk vuol dire essere un fottuto figlio di puttana, uno che ha fatto del marciapiede il suo regno, un figlio maledetto di una patria giubilata dalla vergogna della Monarchia, senza avvenire e con la voglia di rompere il muso al suo caritatevole prossimo.”

Milano – Con queste parole Johnny Rotten, cantante dei Sex Pistols, ci dà un’idea abbastanza precisa su cosa significhi, per lui, essere punk. Ed è una voce quanto mai autorevole, visto che viene (quasi) tutto da lui e i suoi compari. Sì, perchè se le origini del movimento musicale più autodistruttivo, nichilista e dissacrante di sempre sono difficili da inquadrare precisamente (nei primi anni ’70 i primi gruppi proto-punk cominciavano a spuntare nella east-coast americana, a New York e Detroit  in particolare), è dalla metà dei ’70 che il movimento approda in Inghilterra, esplode, fiorisce e declina nel giro di pochi anni. Intanto, è nel novembre del ’76 che esce “Anarchy in the U.K.”, primo singolo dei Sex Pistols. E in Inghilterra, addosso a un’intera generazione iniziarono a spuntare crestoni, borchie, spille da balia nelle orecchie, “A” per “Anarchy” un po’ ovunque.  Moda? Sì. Movimento generazionale? Sì. Un nuovo genere musicale? Sì. Il punk è stato tutto questo e anche di più: un’ondata potente di energia contro il potere e i simboli di un’Inghilterra perbenista, bigotta e dalla mentalità vecchia e stanca. Un grido di rabbia sberciato da una giovane gola ubriaca, strafatta e sanguinante, una nuova filosofia dell’estetica, autodristruttiva e ribelle come mai prima.

Londra fa sul serio per festeggiare questi 40 anni di provocazione: eventi, concerti e mostre non si contano dall’inizio dell’anno.  Anche l’Italia non vuole essere da meno nel ricordare quegli anni tumultuosi e l’eredità che il punk ha raccolto negli anni a venire.

“Punk in Britain” è il nome della mostra che dal 12 giugno al 28 agosto porta alla Galleria Carla Sozzani a Milano oltre 90 fotografie per documentarne i personaggi.  Scatti di Simon Barker (Six), Dennis Morris, Sheila Rock, Ray Stevenson, Karen Knorr, Olivier Richon alternati a disegni, collage e grafiche di Jamie Reid (sua la grafica della Regina Elisabetta  in copertina di God Save the Queen), oltre a  una sezione speciale dedicata ai video e alle fotografie di John Tiberi, storico manager del gruppo.

Punk is (not) dead.

Bristol –  “Papà, papà, oggi in cortile sul muro c’era un nuovo disegno”.

Sorpresa! Bansky ha colpito ancora. E questa volta, nella sua città natale (Bristol), in una scuola elementare. Nonostante il pubblico dall’età media decisamente inferiore rispetto al solito, Bansky non ha lesinato con il suo solito humor dissacrante: una bambina  (stilizzata) che gioca con un pneumatico in fiamme (realistico).

A quanto pare, l’opera è una sorta di ringraziamento da parte dell’artista verso la scuola.  “Cara Bridge Valley School, grazie per la lettera e per avermi intitolato un’aula. Fate una foto. Se non vi piace sentitevi liberi di aggiungere cose. Sono sicuro che i maestri non si dispiaceranno. Ricordate: è sempre più facile ottenere il perdono che il permesso”, scrive Bansky in una lettera indirizzata al preside.

Vi piace Bansky? Bene, fate una capatina a  Roma: prosegue la grande esposizione “War, Capitalism & Liberty“; a Palazzo Cipolla  sono presenti 150 lavori provenienti da collezioni private internazionali.